「結の空間」山本和智 作曲個展｜西澤忠志
「結の空間」山本和智 作曲個展
2026年10月31日 京都コンサートホール アンサンブルホールムラタ
2026/10/31 Kyoto Concert Hall Ensemble Hall MURATA
Reviewed by 西澤忠志 (Tadashi Nishizawa)
写真: makiTAKAGI
〈曲目〉
『El Norte』(2023)
笙とアンサンブルのための『断ち切られた有刺鉄線』（2023-2024）初演
弦楽四重奏のための『フリージングヴォイセス（北緯41度）』（2024）初演
3人の箏奏者と室内オーケストラのための『散乱系』(2015/2017)
〈演奏者〉
箏：マクイーン時田深山、日原暢子、木村麻耶
笙：中村華子
指揮：浦部雪
京都室内合奏団
音楽は生来、「生もの」でつながっていた。豚の腸、蚕の糸、そして綿花。生物由来の糸を通して、音楽は奏でられ、人間や神へと届けられた。こうしたマテリアルへの関心は、現代音楽の世界における特徴と言ってもいいだろう。とりわけ、電子技術の発展は、音の分析や生成、伝達の可能性を大きく広げてきた*。だが、今回の山本和智の作品は、そうした電気的なテクノロジーに頼ることなく、楽器や演奏空間、そして音楽と聴衆との関係を「異化（Verfremdung）**」したことに、その粋があるのだろう。
特殊な編成で演奏されたため、どのような空間の中で奏でられたのかを見てみよう。
ホールに入ってまず目に入ったのは、舞台上の3面の箏から客席へと真っすぐに伸びる白い糸。この「糸電話」は、2日かけて張られたという。箏の13本の弦につながれた、客席を覆う白い絹糸には、ところどころにプラスチックのカップが吊るされている。
近づいてみよう。
カップの底面には、「よく振動し音質が良い***」ことから、無漂白のトレーシングペーパーが貼られている。この固定されたカップは、一見するとランダムに吊るされているように見える。しかし、その仕組みは演奏の中で種明かしがされるのである。
最初の、『El Norte』は、計6面の箏（客席へ絹糸をつないだ箏3面＋通常の箏3面）と、「北（Norte）」に関わる俳句を歌詞とする箏唄による作品。弦を擦る静かな音に始まる。糸でつながれていない箏は、通常のはじく奏法や、弦を左右に擦るすり爪だけでなく、胴を叩くといった特殊奏法も用いる。一方、糸をつないだ箏は、通常の箏の音とは異なる、箏とプラスチックとを足して2で割ったような音を響かせる。特にアルペジオでは、左右前後に吊るされたカップから音が伝わり、通常の箏と掛け合うことで、音の斬新さがより伝わってくる。この仕掛けに驚き、その動きに右往左往するあまり、箏唄に集中することが難しかったが、素直な声だったように思う。
笙とアンサンブルのための『断ち切られた有刺鉄線』は、アンサンブルにはバスフルートや
バスクラリネット、ウォーターフォンなど特殊な楽器が登場し、双方が調和するのではなく、楽器ごとの音の違いを際立たせる。例えば、笙と鍵盤ハーモニカとの二重奏の部分では、両方とも空気の流れによってリードを振動させる楽器だが、鍵盤ハーモニカの詰まったような質感に対し、笙の音は間が空いたようなノイズで、その違いが見て取れた。こうした比較も、旋律を奏でる協奏曲のスタイルでは見えてこなかったことだろう。
休憩後、ヴィオラ2挺、チェロ、コントラバスの編成で書かれた『弦楽四重奏のための「フリージングヴォイセス（北緯41度）」』は、作曲家との親交があり、2023年に亡くなった作曲家・下山一二三の思い出に捧げられた作品。副題にある「北緯41度」は下山の故郷、青森県を指す。まずヴィオラのf字孔に息を吹きかけ、楽器をこする音や叩く音、弦で糸を微かにこする音による繊細な音響が繰り広げられる。グリッサンドの際には、スルポンティチェロの荒々しい音。そしてコントラバスは、ハーモニクスで低音楽器のようには聴こえないサウンドを奏でる。これらの楽器に秘められた音を導き出す「異化」とともに、効果的だったのが休符の間の奏者の動き。特に途中で楽器を一斉に叩く際には、アイコンタクトや体でリズムをとって、休符の間でも緊張感を持続させた。
そして今回の公演の目玉となる、3人の箏奏者と室内オーケストラのための『散乱系』。11年前に同会場で初演された作品。先述した「糸電話」を使う作品であるため、演奏までの準備が大掛かりなものとなるが、現代音楽にしては珍しく、今回が4回目の演奏となる。
打楽器の破裂音の後に、風のように管楽器に息を吹きかける中で、通常の箏の弦をこする音、そして旋律へと流れる。ここでは箏とオーケストラがそれぞれアンサンブルを組み立て、流れを作り出す。そして絹糸につながれた3面の箏の音は、舞台上から客席へと絹糸を伝わり、前後ジグザグに吊るされた***カップを振動させ、客席に届けられる。それぞれの糸が上下に振動する様は、さながら波のよう。その中で、室内オーケストラによるカラフルな音色だけでなく、プラスチックカップを経由することで硬さも混ざった箏の弦をかすり、はじく音が、絹糸を経由して音像をすばやく移動させながら、糸によって織られた波の中で客席に届いた時間は、その大胆な発想に驚くとともに、楽器や演奏空間など、それまで触れてきた媒体の新たな側面に触れたような気がした。
アンコールでは、『散乱系』の終盤部分が再び演奏された。
演奏を聴き終えて、真っ先に思い浮かんだのがラッヘンマンの作品。彼もまた、ピアノをはじき、擦り、こうした作品を「ギロ」と呼んだ。こうした楽音の変容を、彼は「異化」という言葉で表している**。では今回はどうだろうか。確かに、ヴァイオリンや箏から全く異なる響きを生み出したことは、ラッヘンマンとのつながりを感じさせる。しかし、今回の山本和智の作品が「異化」したのは、楽器にとどまらない。空間ですら「異化」の対象としたのだ。現に、コンサートホールという既知の空間であるはずの場所でさえ、少し上から音が出ただけで右往左往したではないか。まだ、音は舞台上から出るものだと思い込んでいたのだ。
この空間の「異化」と、電気などの設備を使わない「糸電話」のプリミティブさ、それに賭ける作曲家の姿勢に、心打たれる時間となった。これもまた、演奏を通じてつながれた糸なのだろうか。
（2026/11/15）
‹players›
Koto: Miyama McQueen-Tokita, Yoko Hihara, Maya Kimura
Sho: Hanako Nakamura
Conductor: Yuki Urabe
Kyoto Chamber Ensemble
‹pieces›
El Norte (2023)
Barbed wire severed for Sho and Ensemble (2023-2024) (Premiere)
Freezing voices (L.41° N) for String Quartet (2024) (Premiere)
Scattering system for 3 Kotos and Chamber Orchestra (2015/2017)
* 例えば音響分析の歴史におけるターニングポイントの一つが、19世紀末の電気信号へ変換する技術の誕生である。これにより、音響のスペクトル解析など、より詳細な音に対する探究へとつながったことは言を俟たないだろう。
**この「異化」は、楽器の音を新鮮なものへと変貌させる手段として、ラッヘンマンが自身の作品を評する際に用いている言葉である。
Ryan D. “Composer in Interview: Helmut Lachenmann.” Tempo. 1999;(210):20-25.
***この公演で使われた素材や配置については、作曲家の山本和智様、しろばら百藝社の鐘ケ江織代様から、質問に答えていただいた。この場を借りて謝意を表す。
